Qué ver en las galerías de Nueva York en junio

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¿Quieres ver nuevo arte en la ciudad? Echa un vistazo a Takako Yamaguchi, Luc Tuymans, Eunnam Hong en Manhattan y Theodora Skipitares en Brooklyn.

Por Roberta Smith, Jillian Steinhauer, Will Heinrich, Martha Schhrender, Max Lakin y Jason Farago

tribeca

Hasta el 17 de junio. Ortuzar Projects, 9 White Street, Manhattan; ortuzarprojects.com.

En sus últimas pinturas, Takako Yamaguchi, nacida en Japón en 1952 y residente en Los Ángeles desde 1978, sigue enfrentando arte contra artesanía, Oriente contra Occidente y un estilo contra otro, creando obras en las que la abstracción, la representación y la decoración se mezclan con un efecto inesperado. Previamente, la artista transformó sus múltiples referencias en turbulentas composiciones barrocas de elementos dispares, diversamente representativos, abstractos y decorativos. Figuras de Diego Rivera o Lucas Cranach se mezclarían con los brocados habituales en las sedas de los kimonos japoneses o las nubes de pan de oro de los biombos japoneses.

Ahora Yamaguchi ha logrado una simplicidad deslumbrante, absorbiendo sus oposiciones habituales en totalidades sin fisuras. En estos lienzos de 60 x 40 pulgadas, una serie de bandas horizontales incorporan lo abstracto, representativo y decorativo. La característica dominante en todos son elementos tubulares de color blanco puro, delicadamente sombreados, cuyos patrones repetidos sirven como cielos o como formas únicas y más simbólicas. Pueden evocar el extenso vocabulario de las cuerdas trenzadas, anudadas y, a veces, con borlas que se usan en los kimonos tradicionales o en las armaduras de los samuráis; pero también sugieren hermosas aunque improbables formaciones de nubes similares a las del trabajo de Georgia O'Keeffe y Agnes Pelton, así como al imaginista de Chicago Roger Brown. En "Bisagra", las formaciones de nubes parecen trenzadas. En "Clasp", hebras de blanco rodean el paisaje marino rojo sobre azul como un cinturón anudado, un marco elegante o un ojo de buey.

El hecho de que las exquisitas composiciones de Yamaguchi cambien entre el plano textil y el paisaje profundo con ingenio y claridad que normalmente no se encuentran en el modernismo occidental se suma a la emoción. ROBERTA SMITH

chelsea

Hasta el 21 de julio. David Zwirner, 537 West 20th Street, Manhattan; davidzwirner.com.

¿Cómo pintas la guerra: y, más concretamente, por qué? En 1864, Édouard Manet pintó una batalla de la Guerra Civil Estadounidense a partir de informes de noticias telegrafiados y actualizó la pintura militar para una era de medios de comunicación. Luc Tuymans ha hecho algo igualmente importante en "Bucha" (2023): una escena nocturna grande, desafiante y medio descifrable de lo que parece ser una tumba abierta en el mortificado suburbio de Kiev del título. Las luces de emergencia iluminan a un trabajador solitario, reducido a un espectro blanco. Abajo hay hierba verde oliva monótona, sobre un cielo pesado, pero los reflectores han oscurecido el lugar de la atrocidad, representado en manchas abiertas de gris claro y azules y malvas ahogados. El horror llena quizás el 95 por ciento del lienzo, pero los bordes rosados ​​irregulares sugieren que esta escena de Bucha podría ser una fotografía que alguien lejos de Ucrania está pasando. A un lado hay un círculo pálido: el botón Atrás de una pantalla táctil, una señal digital de regreso a la barbarie.

Tuymans siempre ha pintado no la violencia de la guerra sino sus mundanidades relacionadas: un pino en un campo de concentración, Condoleezza Rice mordiéndose el labio. Lo que "Bucha" confirma es que su mirada desviada nunca fue sólo sobre el shock hitchcockiano. Sus rosas y azules ahora se mezclan en topografías ilimitadas que recuerdan al software de mapeo de calor, mientras que los motivos de su iPhone, que antes parecían un truco, se han convertido en herramientas de composición críticas. En la parte inferior de "The Barn", el idilio diluido que le da nombre a este espectáculo, reduce varias otras pinturas a la vista a miniaturas en un carrusel de la aplicación Fotos. Una vez, las composiciones apagadas de Tuymans se sintieron fatalistas; ahora aparecen como ataques cometidos contra nuestra fragmentación digital y las mentiras que prosperan en sus grietas. JASON FARAGO

La parte baja al este

Hasta el 18 de junio. Lubov, 5 East Broadway, Ste. 402, Manhattan; lubov.nyc.

En la película de Krzysztof Kieslowski "La doble vida de Veronique", una vocalista polaca y su doppelgänger nunca se encuentran, pero están unidos por un malestar existencial y la persistente sensación de que sus vidas están siendo arrastradas en direcciones invisibles.

Las pinturas de Eunnam Hong comparten el aburrimiento espeluznante y la intriga metafísica de esa película, excepto que los dobles de Hong son íntimamente familiares. Se arremolinan en su apartamento de Nueva York, fumando cigarrillos y jugando a los dados, vestidos para salir pero sin llegar nunca, como prisioneros que se compadecen dentro de una revista de la que no pueden escapar.

La vida anterior de Hong en la publicidad de moda, en Seúl, indudablemente da forma a su propio segundo acto: viste sus dedos con chándales Adidas y New Balance grises, haciendo rebotar la luz del sol en los pliegues gastados de una chaqueta de motociclista o botas de combate o mocasines belgas; por lo menos, sus fotografías recuerdan la moda de nuestro momento de vestirse para esquizofrénicos. También del momento: Nadie parece estar pasándolo bien. "Lunch Break" (2023), repleta de suntuosos pliegues de tela, evoca la imagen de Cecil Beaton de asistentes a la fiesta con vestidos de Charles James pero con la alegría agotada. Las mujeres de Hong no se divierten; están aislados, agobiados, en sus propios mundos.

El mal humor concuerda con el interés reciente por la pintura figurativa que se deleita en un temor indeterminado, pero las imágenes de Hong son lo suficientemente interesantes como para mantener nuestra atención, su paleta desaturada y su suave precisión amplifican una desolación magnética. Hong se presenta a sí misma como su propio modelo, su figura larguirucha oculta bajo una peluca de rizos de color rubio botella y anteojos de gran tamaño, como envejecida artificialmente o anglicanizada, haciendo literal la fragmentación psíquica de la asimilación, la anomia doméstica y la vida interior: todas las personas que conocemos. actuar para los demás y para nosotros mismos. MAX LAKÍN

Bushwick

Hasta el 18 de junio. 15 Orient, 12 Jefferson Street, Brooklyn; 15orient.com.

Los títeres no son un medio principal en el mundo del arte, pero el auge de las artes escénicas y las exhibiciones como "Vista desde la ciudad en miniatura" de Theodora Skipitares, así como su inclusión en las historias del arte recientes, podrían cambiar eso. El espectáculo de Skipitares, extraído en gran parte de su actuación de 1981 con títeres, "Micropolis: 6 Portraits and a Landscape", aboga por el poder de la forma.

La exposición en sí es una maravilla. Instalado en la vivienda del propietario sobre la galería, en habitaciones oscuras revestidas con papel tapiz antiguo, el espectáculo presenta mini-teatros que presentan cuadros de Skipitares poblados por títeres del tamaño de muñecas. Las narraciones oscuras, obscenas e irónicas, contadas en grabaciones de audio, se acompañan a veces de composiciones "inteligentes pero sanguinarias" (como lo describió un escritor musical) de Virgil Moorefield. "Micropolis: Sylvia" (1981) está protagonizada por una narradora clásica poco fiable: una marioneta "dotada" que se encuentra con un desenlace sorprendente. El dinosaurio en "Micropolis: On the Road" (1981) asiente simultáneamente a la libertad imaginada por Jack Kerouac en su itinerante novela de 1957 "On the Road" y la inminente "extinción" de los bohemios en el centro de Nueva York.

Todo el espectáculo es un recordatorio de la extraordinaria densidad de talento —real, no meramente mítico— en el centro de Nueva York en los años 70 y 80, que produjo formas interdisciplinarias novedosas. Mucho ha cambiado, pero los dinosaurios del arte de antaño no se extinguieron; muchos se esconden a simple vista. ¿Cómo un joven galerista descubrió esta obra? Fácil: Skipitares, muy conocido en el mundo del teatro de marionetas de vanguardia, fue su profesor en el Pratt Institute de Brooklyn. MARTA SCHWENDENER

La parte baja al este

Hasta el 10 de junio. Perrotin, 130 Orchard Street, Manhattan; 212-812-2902, perrotin.com.

El show de Rina Banerjee en Perrotin está en el momento oportuno: su estilo de construir mundos con materiales cotidianos está teniendo un momento. Las exhibiciones actuales del museo dedicadas a Wangechi Mutu, Daniel Lind-Ramos y Sarah Sze crean un contexto fructífero para Banerjee, quien ha tenido una carrera exitosa de décadas, pero ninguna exhibición individual aquí en ocho años.

Al igual que esos otros artistas, Banerjee crea criaturas evocadoras e instalaciones grandiosas pero intrincadas a partir de materiales inusuales. Pero su trabajo se siente tanto más omnívoro como más precario. Sus arreglos, de, por ejemplo, pequeñas figuritas de madera y porcelana encima de una maraña de redes y cuerdas, dando paso a grupos de cuernos y vidrio, son tan convincentes como improbables. Se unen al mismo tiempo que no lo hacen. Banerjee, que nació en Calcuta y se crió principalmente en Nueva York, parece interesado no solo en las posibilidades imaginativas de la hibridez, sino también en la facilidad con que las cosas pueden cambiar o desmoronarse.

La pieza central de la muestra, "Black Noodles" (2023), domina la galería, luciendo como una ruina submarina, y las pinturas sueltas de figuras femeninas míticas de Banerjee son transportadoras. Pero seguí volviendo a "Migraciones contagiosas" (1999-2023), una obra que presenta una especie de criatura de dos cabezas, en contraste con un boceto vertiginoso de planos para un sistema de ventilación. Los bordes del plano están cortados en forma de tentáculos, de los cuales salen tubos médicos, algunos cubiertos con una red negra. La pieza evoca al Covid-19 pero es demasiado abstracta para ser un comentario. En cambio, es hermoso, siniestro y misterioso. Captura lo que es tan fascinante del arte de Banerjee y lo que es tan inquietante. JILLIAN STEINHAUER

chelsea

Hasta el 17 de junio. Nicola Vassell Gallery, 138 Tenth Avenue, Manhattan. 212-463-5160; nicolavassell.com.

En su primera exposición individual en la Galería Nicola Vassell, la pintora autodidacta Uman, que nació en Somalia y ahora vive cerca de Albany, prácticamente toma el lugar. En las paredes de la galería pintadas de color verde oscuro, púrpura o dorado, ha montado 15 pinturas cuadradas enormes, vibrantes e incesantes, cada una enmarcada en una caja de sombra oscura producida en su estudio, e incluso más dibujos pequeños. (No en vano, el espectáculo se titula "Lo quiero todo ahora".) Los colores de las pinturas son audaces y saturados, y sus texturas van desde pinceladas húmedas y resbaladizas hasta el deslizamiento vacilante de la barra de aceite. Sus formas comprenden principalmente círculos, garabatos y cuadrados, pero también algunos ojos, flores, soles, dientes puntiagudos y sugerencias ambiguas de intestinos, sillas o vértebras. Las referencias son tanto transculturales como históricas del arte, pero el efecto, en general, se inclina hacia el textil; un lienzo amarillo, dividido en un entramado triangular por líneas verdes y rojas, también se cose a partir de retales triangulares. En otro, lo que parece un caballito de mar transparente se alza sobre una botella claramente etiquetada como "Eau de Parfum".

Sin embargo, en cierto modo, Uman es minimalista. Sus gestos, como las flores esquemáticas que le permiten reclamar un punto de apoyo en la figuración, son siempre claramente eficientes. Los lienzos se pueden cubrir de borde a borde, pero la aplicación de pintura es delgada y en el momento en que se logra un efecto explosivo, pasa al siguiente. HEINRICH

chelsea

Hasta el 17 de junio. Yossi Milo, 245 10th Avenue, Manhattan; 212-414-0370; yossimilo.com

Tres diminutas esculturas, cada una de menos de 10 pulgadas de alto, llenan toda la sala psíquica en el solo de Natia Lemay en Yossi Milo.

Apila versiones en miniatura de muebles banales (una silla, un sofá, un caballo balancín) pegados uno encima del otro. Talladas en esteatita, copian las miniaturas de madera blanda que los niños construyen a partir de kits de casas de muñecas.

Lemay nació en medio de las dificultades en Toronto, con raíces en la cultura afrocanadiense y entre los pueblos Mi'kmaq de la costa este de Canadá. Sus artículos genéricos para el hogar parecen conmemorar los difíciles años que pasó moviéndose entre viviendas públicas, refugios para personas sin hogar y alquileres de bajo costo. Pienso en sus esculturas como "torres de la memoria", y su diminuta escala parece concentrar sus energías en lugar de disminuirlas. (¿No se sienten siempre pequeños los recuerdos, lo suficientemente pequeños como para caber en una calavera?)

Lemay vincula sus torres con el arte nativo del tótem, lo que tiene sentido en términos de su forma y función mnemotécnica.

La esteatita que usa, parte de la cual le llegó de su padre, también recuerda la artesanía indígena. Usando ese material para representar el mundo urbano problemático que ha conocido, Lemay lo reclama como su derecho de nacimiento continuo. Ella lo recupera de las décadas que ha pasado en el comercio turístico.

También hay 20 pinturas al óleo en la muestra de Lemay. Para mí, aceptan la autoridad de la tradición de los viejos maestros en lugar de oponerse a ella. Pero claro, me siento así con respecto a la pintura más reciente. Las fabulosas pequeñas esculturas de Lemay parecen más bien granadas de mano preparadas para abrir un agujero en nuestras jerarquías. BLAKE GOPNIK

chelsea

Hasta el 17 de junio. Greene Naftali, 508 West 26th Street, 8.º piso, Manhattan; 212-463-7770, greenenaftaligallery.com.

La joven artista y teórica Aria Dean es conocida por sus ensayos que conectan la negritud, la objetualidad y la cultura digital. (Sus escritos seleccionados, "Bad Infinity", se estrenan este verano). Es bueno recordar esto, ya que desde el momento en que pasas por las puertas del salón rosa chicle en Greene Naftali, un trabajo inexpresivo titulado "Pink Saloon Doors", el las esculturas pulidas y las impresiones digitales a la vista parecen escasas y crípticas, desafiantemente superficiales. Se omite algo. Esta muestra se basa en el pensamiento dinámico de Dean (o, con menos generosidad, ilustra los puntos que ha hecho en la página) con respecto a la facilidad con la que circulan las imágenes de baja fidelidad, aunque los no iniciados también pueden apreciar su versión fría y cínica del arte comercial.

La escultura "FIGURA A, Friesian Mare", un bulto gris brillante y arrugado en una paleta de envío, evoca una especie de cubo minimalista destrozado o estatua ecuestre compactada, distorsionando sutilmente la conexión entre el formalismo rígido y el cuerpo del espectador. Las implicaciones de tratar a los seres vivos como mercancías son brutales.

Las otras cuatro obras expuestas son impresiones de sublimación de tinta lujosamente altas sobre aluminio, tres o cuatro paneles cada una, que representan... ¿qué? Desde la distancia, borrones y manchas, un cielo, formas que pasan a gran velocidad, pero ampliadas y ampliadas hasta tal punto que son básicamente abstractas, salpicadas de píxeles perdidos. De hecho, el proyecto de Dean podría resumirse en la exploración de la abstracción de la violencia que provoca o posibilita. La astucia taciturna de este espectáculo provoca una reacción incómoda: ¿No hay sentimiento aquí? ¿Sin dolor? ¿Sin humanidad? TRAVIS DIEHL

chelsea

Hasta el 17 de junio. Galería Matthew Marks, 522 West 22nd Street, Manhattan; 212-243-0200, matthewmarks.com.

Se podría llamar al estilo maduro de la gran pintora estadounidense Joan Brown (1938-1990) egipcio extra tardío, con sus figuras a menudo representadas completamente de frente o de perfil. Esta formalidad, junto con extensiones de sorprendentes colores sólidos, contribuye a la quietud hipnótica de sus obras, principalmente autobiográficas. (Además de la pintura, sus intereses incluían su familia, el hinduismo, los bailes de salón, la natación amateur seria y el arte egipcio). No siempre está claro en qué está pensando Brown, quien aparece en seis de las pinturas aquí, pero la seriedad es innegable.

Así que no sorprende que esta muestra de una docena de pinturas, en su mayoría de la década de 1970, incluya "El visitante" (1977). Representa al artista sentado con un faraón egipcio en un restaurante. El faraón es de color turquesa profundo, el color de la fayenza egipcia, al igual que la pared detrás de él, que está grabada con jeroglíficos. Si dos mundos chocan, parece estar ocurriendo en la imaginación de Brown. Después de todo, el programa se titula "Hechos y fantasías".

En "Autorretrato a los 42 años" (1980) nos encontramos con el artista con los brazos cruzados, mirando al frente. Lleva un jersey azul delicadamente manchado de pintura y un guante de plástico transparente. ¿Se enfrenta a una interrupción no deseada en su estudio? Luego se da cuenta: su mirada dura parece del tipo que los artistas reservan para las pinturas en progreso. Hay varias otras obras atractivas, pero no te pierdas "Donald" (1986), una escultura de cobre sobre madera de un gato atigrado extra grande. Al igual que con los egipcios, los gatos fueron otro de los temas favoritos de Brown. ROBERTA SMITH

chelsea

Hasta el 21 de junio. Impresos; 231 Avenida 11, Manhattan; 212-925-0325, Printedmatter.org.

El título "From the Margins: The Making of Art-Rite" en Printed Matter" parece un poco inexacto desde el punto de vista del arte global actual. Fundada en 1973 por Edit DeAk, Walter Robinson y Joshua Cohn, la revista Art-Rite publicó 19 números y presentó algunos de los mayores talentos de los años 70, la mayoría de los cuales se han convertido en nombres familiares en el mundo del arte. Esta muestra meticulosa cuenta su historia a través de fotografías documentales, cartas, materiales originales y anécdotas llenas de ingeniosidades y información privilegiada. chisme.

Los jóvenes editores se conocieron en un seminario de crítica de arte en la Universidad de Columbia impartido por el brillante editor y artista Brian O'Doherty. La revista (su nombre se hace eco conscientemente de las tiendas de comestibles ShopRite y de las circulares publicitarias que se entregan allí) se imprimió en papel de periódico y evitó la "contaminación terminológica", es decir, la jerga teórica y la jerga artística. El primer número incluyó contribuciones del estudioso del arte pop Lawrence Alloway, Hilton Kramer (en un momento crítico del New York Times), la crítica feminista Lucy Lippard y los historiadores del arte Irving Sandler y Leo Steinberg: una lista asombrosa para una alternativa. Publicación "desechable".

Art-Rite llegó en una era en la que constantemente sonaba una "crisis en la crítica", provocada en parte por un floreciente mercado del arte. De repente, los críticos tenían menos poder que los curadores, coleccionistas y artistas, y los espacios para la crítica se reducían. Ahora, a medida que las revistas de arte brillantes se consolidan como "marcas" y la crítica se homogeneiza aún más, la necesidad de una publicación inteligente y rudimentaria como Art-Rite, y que se vea tan bien 50 años después de su fundación, es más urgente que nunca. MARTA SCHWENDENER

Lado este superior

Hasta el 24 de junio. Gagosian, 821 Park Avenue, Manhattan; 212-796-1228, Gagosian.com

No puede haber muchos artistas cuyas obras sean tan famosas en los libros de texto y tan raramente encontradas como las de Chris Burden. No podemos esperar ver repeticiones de las actuaciones de la década de 1970 por las que lo clavaron a un Volkswagen Beetle o le dispararon en el brazo con un .22. Murió en 2015, e incluso cuando estaba vivo, fueron casos únicos. Pero esta rara muestra de Burden presenta otros ejemplos de las obras radicales de los angelinos de la década de 1970. Cambiaron los límites del arte, lo que hace que ahora parezcan "artísticos" y dignos de una galería.

El espectáculo reúne varias de las "reliquias" (término de Burden) destinadas a representar sus actuaciones: una vitrina vacía representa "Disappearing", una pieza para la que se esfumó durante tres días; un teléfono y una grabadora representan "Wiretap", para el cual Burden grabó llamadas con marchantes de arte.

También hay imágenes del tiroteo de Burden y de "Bed Piece", una actuación muy conocida que lo tuvo acostado en una galería durante 22 días.

Más sorprendentes son los "comerciales de televisión" de un minuto que permiten a Burden infiltrar el arte en la televisión abierta, después de comprar el espacio publicitario necesario. Uno de ellos, "Divulgación financiera completa", se encuentra en el género Business Art de Andy Warhol, y revela los números de los ingresos y gastos de Burden en 1976, y sus míseras ganancias. En "Chris Burden Promo", los nombres de artistas de fama mundial llenan la televisión uno tras otro: "Leonardo da Vinci", "Michelangelo", "Rembrandt", "Vincent van Gogh", "Pablo Picasso" y luego... "Chris Burden ." Ese nombre final alguna vez habría parecido una broma o una ilusión salvaje, pero ahora vive cómodamente con los demás. BLAKE GOPNIK

chelsea

Hasta el 29 de julio. Vito Schnabel Gallery, 455 West 19th Street, Manhattan; 646-216-3932; vitoschnabel.com.

Casi cualquiera de las 16 pinturas de Giorgio de Chirico en "Caballos: La muerte de un jinete" podría sustentar una exposición por sí sola. Un par de finales de la década de 1920 están menos pulidos, y razonablemente se podría llamar a "Two Horses on a Seashore", 1970, un poco simplista. Pero en su mayor parte, las pinturas exuberantes, peculiares y consistentemente deliciosas muestran al pintor italiano nacido en Grecia en la cima de su juego durante la mayor parte de las cinco décadas.

Como sugiere el título de la exposición, cada lienzo también contiene uno o más caballos, a menudo respaldados por uno de los misteriosos paisajes por los que es conocido. Carnal pero cargado de simbolismo, el caballo es un vínculo vivo con la antigüedad, lo que lo convierte en el tema perfecto para un artista consciente de la historia como de Chirico (1888-1978). También está lleno de articulaciones abultadas y montículos carnosos, y De Chirico lo aborda, tanto visual como conceptualmente, como una especie de quimera, una bolsa de sorpresas de momentos y encuentros separados.

El majestuoso corcel blanco de la pieza principal, "La muerte de un jinete", se encabrita en una playa crepuscular, dejando que su jinete caiga como Ícaro detrás de él. En la distancia se encuentra una ciudad en una colina; cerca, dos viajeros o dioses observan desde un bote de remos. Pero la postura del caballo es en realidad la de una estatua, su pata delantera doblada, su cabeza en un perfil dramático que no coincide exactamente con el ángulo de su cuerpo. Por un lado, es un poder agazapado e inconsciente; para el otro una personalidad dueña de sí misma, incluso arrogante. En conjunto, resume el drama de la escena, a la vez activo y eterno. HEINRICH

reinas

Hasta el 10 de septiembre. Queens Museum, New York City Building, Flushing Meadows Corona Park, Queens; 718-592-9700; queensmuseum.org.

Aliza Nisenbaum creció en México y ahora vive en Nueva York. Lo mismo ocurre con muchas de las personas en Corona, Queens, a quienes ha pasado años pintando en sus hogares y lugares de trabajo, en su estudio en el Museo de Queens o mientras estaban inscritas en una clase que alguna vez impartió llamada "Inglés a través de la historia del arte feminista". La maravillosa "Reinas, Lindo y Querido" del museo, una amplia muestra de su trabajo, incluye retratos de empleados de Delta Air Lines y Port Authority; de Hitomi Iwasaki, curadora de la muestra, en su oficina llena de plantas; y de una clase de arte que Nisenbaum ofreció a los voluntarios de la despensa de alimentos en el museo, exhibida junto con una selección de las propias obras de los voluntarios ("El Taller, Museo de Queens").

Vale la pena mencionar todo esto porque el interés de Nisenbaum en las personas, su necesidad de conectarse con ellas, no solo brinda contenido a sus pinturas, sino que se manifiesta en su forma. Realistas pero con colores realzados y planos planos, son hogareños y glamorosos a la vez, capaces de absorber cualquier número de detalles idiosincrásicos. "El Taller" (The Workshop) presenta a 10 artistas en ciernes, cinco trabajando en autorretratos con la ayuda de pequeños espejos, contra las neblinas púrpuras irreales de Flushing Meadows Corona Park. Y luego están las pinturas dentro de la pintura, cada una con su propio estilo distintivo, sin mencionar 19 juegos ingenuos y multicolores de "cadáver exquisito". Es un tributo a la generosidad de Nisenbaum, ya sus habilidades con la composición, que todo habita en una sola habitación en armonía. HEINRICH

Lado este superior

Hasta el 2 de junio. Di Donna, 744 Madison Avenue, Manhattan; 212-259-0444, didonna.com.

Man Ray retrató a los artistas y escritores del París de las décadas de 1920 y 1930 de forma tan indeleble como Nadar lo hizo con sus predecesores del siglo XIX. De hecho, la fotografía de Marcel Proust en el lecho de muerte de Man Ray es un complemento apropiado para la de Victor Hugo de Nadar. Pero Nadar, cuando conmemoró al titán literario de Francia en 1885, era él mismo una venerable institución parisina, mientras que Man Ray, que corrió al apartamento de Proust en 1922 a instancias de Jean Cocteau, era un estadounidense que hablaba un francés terrible y había estado viviendo en París. durante poco más de un año.

La maravilla de "Retratos de París de Man Ray, 1921-1939" es su acceso y su arte. Antes de mudarse, Man Ray se había hecho amigo de Marcel Duchamp y Tristan Tzara, dos artistas de vanguardia. Facilitaron su entrada en París y se encuentran entre los temas de esta exposición de 72 grabados antiguos, en su mayoría extraídos de la colección de Timothy Baum, un comerciante de arte privado que conoció a Man Ray en los últimos años de su vida y colaboró ​​en esta muestra.

Man Ray halagaba a sus súbditos. Para suavizar las arrugas y otras imperfecciones, normalmente filmaba con una lente larga desde la distancia y sobreexponía ligeramente la película. Sin embargo, sus retratos fueron profundamente reveladores: los ojos conocedores de la poeta Anna de Noailles, la mirada vidriosa del perennemente encurtido Sinclair Lewis, la corpulenta contundencia de un joven Alexander Calder. Y luego está su autorretrato, tomado a mediados de los 30: la corbata intencionalmente torcida, los ojos penetrantes y la boca en una línea de determinación imparable. ARTURO LUBOW

tribeca

Hasta el 3 de junio. 125 Newbury, 395 Broadway, Manhattan, 212-371-5242, 125newbury.com.

"Descubrí el secreto del mar en la meditación sobre una gota de rocío", escribió el pintor y poeta de origen libanés Khalil Gibran. Sylvia Plimack Mangold aborda la pintura de la misma manera. Quince obras expuestas en 125 Newbury representan un solo árbol de arce que vive fuera de su estudio en Washingtonville, Nueva York, que ha estado pintando durante décadas.

Muchas de las pinturas aquí se titulan "Hojas en el viento" y capturan un verano lleno de verdor representado, en primer plano, con pinceladas exuberantes pero sensatas que recuerdan a Fairfield Porter o Édouard Manet, así como a Claude Monet y su retrato nítidamente enmarcado. composiciones de nenúfares. Otras obras, tituladas "Winter Maple", funcionan como paisajes celestes de color azul polvoriento bifurcados por ramas sin hojas de color marrón grisáceo.

El "secreto" del árbol, por supuesto, es que cambia constantemente y, por lo tanto, produce infinitas variaciones. (Si, de hecho, es el mismo árbol. Tenemos que confiar en Mangold en esto, aunque la famosa pintura de Magritte de 1929 "La traición de las imágenes", comúnmente conocida como "Ceci n'est pas une pipe" o "Esto no es un pipa", ofreció una lección contundente sobre cómo opera la verdad en la pintura.)

En manos de Mangold, las partes se convierten en totalidades y la exposición en una clase magistral de sinécdoque: el árbol es el bosque; el pintor un representante humano que negocia con el mundo natural. En una era de movimiento inquieto y demasiada información, la práctica de pintar un solo árbol también se convierte en un acto profundo, incluso radical, de atención plena, meditación y cuidado. MARTA SCHWENDENER

chelsea

Hasta el 3 de junio. Miles McEnery Gallery, 515 West 22nd Street, Manhattan; 212-445-0051; milesmcenery.com.

La artista Beverly Fishman ha estado pensando en la cura de lo que nos aqueja durante los últimos 40 años. Sus construcciones de colores dulces existen en algún lugar entre la pintura, la escultura y el mal viaje: estimulantes y relajantes que pulsan en tonos alegres y fluorescentes: un botiquín repleto de remedios para ser humano.

El nuevo trabajo aquí, que continúa su serie de formas de madera facetadas con revestimiento de uretano que sobresalen de la pared (un juego divertido sobre la idea de "relieve"), es una solución a la figuración: sobre el cuerpo pero nunca representándolo, abstracción geométrica. como una finta para hablar de la cultura contemporánea, y de lo que ingerimos para afrontarla. Combinan la síncopa dura de Frank Stella con el movimiento Finish Fetish del sur de California, lo que da como resultado superficies lustrosas con un zumbido eléctrico y un tono suave, como Everlasting Gobstoppers sumergidos en pintura de automóvil. Cada píldora se presenta en bandas concéntricas para que parezcan iris inquietos y policromáticos, o los dulces brillantes de Wayne Thiebaud, si Thiebaud pintara íconos de dolor existencial rodeados de sorbete.

Solo sus títulos, que se duplican como diagnósticos, revelan su maldad, como en "Sin título (Osteoporosis, Aborto, Depresión, Ansiedad, Control de la natalidad)", 2023: curación dictada por el complejo médico-industrial, la promesa de una solución rápida y el drogodependencia que esa promesa ha alentado.

"Cuatro te ayudan a pasar la noche, ayudan a minimizar tu difícil situación", canta Mick Jagger en "Mother's Little Helper", la animada canción de los Stones sobre un ama de casa que desarrolla un hábito de Valium. Desde entonces, el espectro farmacológico solo se ha vuelto más florido. Eso le da a Fishman una caja de pastillas inagotable, sus dosis están calibradas para los síntomas que nunca disminuyen. MAX LAKÍN

Roberta Smith, codirectora de la crítica de arte, revisa regularmente exposiciones en museos, ferias de arte y exposiciones en galerías de Nueva York, América del Norte y el extranjero. Sus áreas especiales de interés incluyen la cerámica textil, el arte popular y marginal, el diseño y el videoarte. @robertasmithnyt

Jillian Steinhauer es una crítica y reportera que cubre la política del arte y los cómics. Ganó una beca para escritores de arte de la Fundación Andy Warhol en 2019 y anteriormente fue editora sénior en Hyperallergic.

Will Heinrich escribe sobre nuevos desarrollos en el arte contemporáneo y anteriormente fue crítico de The New Yorker y The New York Observer. @willvheinrich

Jason Farago, crítico general de The Times, escribe sobre arte y cultura en los EE. UU. y en el extranjero. En 2022 recibió uno de los Premios Silvers-Dudley inaugurales de crítica y periodismo. @jsf

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